Il y a un sure kind de movie qui pèse lourdement sur la nostalgie collective américaine des temps plus cléments et plus doux. Pourtant, même si nous aspirons à cette simplicité, nous ne pouvons souvent nous empêcher de nous en moquer.
Pour la plupart d’entre nous, il y a un movie spécifique qui nous vient à l’esprit : celui dont nous nous souvenons avec tendresse depuis notre enfance, ou celui que nous regardons chaque année pendant les vacances. Après avoir pleuré devant la bonté humaine, le triomphe de la vertu et le pouvoir rédempteur de l’amour, de la foi et de la famille, nous retournons rapidement aux petites corvées de la vie. Et même si nous apprécions ces beaux sentiments, nous savons que ce n’est pas la vraie vie, comme vous le dira tout moderniste avisé.
The Sound of Music, réédité en 4K pour commémorer cette année son 60e anniversaire, en est l’exemple par excellence, précisément parce qu’il touche aux extrêmes. C’est d’une saccharine écoeurante à la fois dans le fashion et dans le fond, à tel level que les critiques l’ont d’abord considéré comme un échec émotionnel manipulateur. Pourtant, il a résisté à l’épreuve du temps, remportant les Oscars et devenant l’un des movies les plus rentables de l’histoire et une leçon incontournable de moralité et d’éducation musicale. Loin de le prendre comme une insulte à leur intelligence, les générations successives en sont venues à aimer le movie et son message au pied de la lettre.
Les critiques avaient finalement tort et le public avait raison : le movie est certes sentimental, mais reste sérieux dans son esthétique, son message et son intention générale. Mais qu’avons-nous perdu dans la tradition cynique d’aujourd’hui qui rend cette vérité évidente bien plus difficile à voir ?
Au début du movie, la première selected que l’on voit, ce sont les montagnes. Souvent, de vastes prises de vue panoramiques utilisent la nature pour évoquer la peur ou l’effroi : la scène d’ouverture de The Shining, par exemple, crée de la rigidity en suivant la voiture de Jack sur la route des montagnes du Colorado, tandis que Werner Herzog a utilisé la jungle indomptable pour se moquer de l’ambition de l’homme. Pourtant, The Sound of Music évoque le sentiment inverse dans sa scène d’ouverture : un crescendo de musique orchestrale se construit alors que le spectateur survole les sommets des Alpes autrichiennes, et les collines s’animent littéralement au son de la musique. Nous sommes frappés par un sentiment de crainte et d’émerveillement quant à la place de l’homme dans tout cela – et non à son éloignement – et en descendant vers la vallée, nous trouvons Maria exactement à sa place.
Maria est déchirée entre le devoir et la réalisation de soi, le braveness et le doute, la foi et le désir ; Remark concilier son individualité avec son engagement à être une bonne religieuse, ou une bonne gouvernante, ou éventuellement une épouse et une mère ? C’est une novice fidèle, nous dit-elle, au couvent, mais en même temps c’est un esprit libre inspiré par l’amour, la musique et la beauté du monde qui l’entoure. La rigidity ne surgit pas parce que nous doutons de la sincérité de sa foi, mais parce que nous comprenons et sympathisons avec ces sérieuses distractions de l’âme. Les religieuses voient également la rigidity, alors elles testent sa détermination en l’envoyant au domaine von Trapp pour servir de gouvernante au capitaine von Trapp et à ses sept enfants, où les deux finissent par tomber amoureux. Peut-être que Dieu a un dessein plus élevé pour Maria ?
Il existe une rigidity parallèle chez le capitaine, dont le devoir envers ses enfants, sa fiancée baronne et son Autriche bien-aimée est mis à impolite épreuve. Au début, comme les religieuses, il ne parvient pas à concilier ses méthodes strictes d’éducation des enfants avec l’approche joyeuse et tendre de Maria. Ses fiançailles avec la baronne offrent une adéquation pratique qui garantit la stabilité sociale et familiale, mais l’amour véritable et passionné – le kind qu’il ressent pour Maria – est visiblement absent. Et alors que les nazis annexent l’Autriche et l’enrôlent dans l’armée, il doit choisir entre servir un régime qu’il méprise ou abandonner sa patrie. Le movie a bien sûr une fin heureuse, avec von Trapps, désormais marié, et les enfants s’enfuyant par les mêmes collines de la scène d’ouverture vers une Suisse neutre. Pourtant, nous ne sommes jamais censés nous demander si le capitaine rejette son devoir en faveur d’une licence. Au contraire, à mesure que le son de la musique adoucit son cœur, lui aussi trouve un however plus élevé.
La Mélodie du bonheur a résisté à l’épreuve du temps, tandis que des movies manipulateurs moins chers de la même veine et de la même époque sont tombés dans l’oubli.
L’histoire est basée sur les mémoires de la vraie Maria von Trapp, et les critiques se sont accrochées à la simplification des archives historiques : la richesse de la famille était extravagante et exagérée ; la chronologie de la cour du vrai couple en 1927, révisée de manière romantique dans le contexte de l’Anschluss ; et le suspense d’une situation de secours géographiquement not possible. Pourtant, tout cela ne témoigne que du cynisme des critiques, et non de celui du movie.
Malgré sa licence artistique, l’intention du movie reste sérieuse. Nous ne sommes pas censés appliquer un regard « critique » aux personnages ou à leurs motivations. Même si les conflits internes des personnages sont finalement résolus, cela n’implique pas que le devoir, la foi et la self-discipline soient de simples outils de contrôle social, écartés à juste titre lorsqu’ils entrent en conflit avec d’autres biens. Un movie similaire, mais bien moindre, Footloose, a prêché cette leçon deux décennies plus tard, mais dans The Sound of Music, nous sommes censés comprendre qu’une bonne vie a un juste équilibre entre un sens supérieur et un épanouissement personnel.
Maria ne renonce pas à être religieuse pour « être elle-même » avec une vie de musique, de frivolité ou même de poursuite d’un homme. Le capitaine ne se lasse pas de ses enfants parce qu’ils méritent un permis, ni ne quitte sa fiancée et son pays parce qu’il ne se soucie plus de respecter ses obligations envers eux. Tous deux voient une vocation supérieure l’un en l’autre et dans la vie qu’ils construisent ensemble, dans la tendre vitalité qu’ils ressentent à travers la musique et dans la préservation de l’innocence des enfants, que la musique leur permet de maintenir dans leur évasion. Leur amour l’un pour l’autre, pour les enfants et pour la musique leur apporte un épanouissement personnel, mais ils représentent toujours la foi, le drapeau et la famille, mais d’une manière différente de ce qu’ils pensaient à l’origine. Il n’est pas nécessaire d’être profondément chaste ou un héros militaire pour mener une vie pleine de sens ; parfois, pour certaines personnes, le easy amour d’une famille est un objectif ethical en soi.
Dans le contexte actuel, il semble instinctif d’être aussi cynique que les critiques. La vie ne fonctionne pas vraiment comme ça ; le sens et l’accomplissement sont éphémères et matériels, s’ils existent même. Les movies des époques ultérieures – même les plus grands et désormais classiques – nous instruisent souvent dans ce sens. Nous pouvons regarder La Mélodie du bonheur, pleurer sincèrement, puis passer à autre selected – mais pouvons-nous vraiment apprécier un movie aussi simpliste en tant qu’artwork significatif avec un message actuel, voire intemporel ?
D’un level de vue contemporain, il semble qu’il devrait y avoir une rigidity entre la sentimentalité simpliste et la « vraie vie ». Les deux ne peuvent sûrement pas trouver un écho auprès de hundreds of thousands de personnes à travers les cultures et les générations. Pourtant, tout l’intérêt de l’universalité est de réduire l’expérience humaine à son easy cadre, quelque selected que nous pouvons tous partager, admirer ou auquel aspirer. La sentimentalité du movie peut sembler manipulatrice pour un cynique, quelqu’un qui met au premier plan les problems et les injustices de la vie et, en l’absence de tout sens indépendant, ne le trouve que dans la lutte contre celles-ci. De toute évidence, le movie simplifie les facets les plus compliqués de la vie, et les vraies relations interpersonnelles se déroulent rarement avec autant d’élégance ; nous le savons tous dans nos propres vies. Mais en centrant les choses qui ont un sens réel tout en permettant au désordre de passer au second plan, le movie affirme où se trouve le vrai sens. La Mélodie du bonheur ne nous manipule jamais pour croire quelque selected auquel nous ne croyons pas déjà, mais nous pousse vers ce que nous ressentons déjà.
En vérité, l’expérience humaine se résume à ce que nous ressentons, ou voulons ressentir, à l’égard de nous-mêmes et des autres, plutôt qu’à la façon dont nous raisonnons froidement pour parcourir le monde. Nous souhaitons tous sincèrement voir notre propre fin heureuse, l’épanouissement et le sens d’une vie bien vécue, quelle que soit la définition d’une génération ou d’une tradition. Et lorsque nous voyons nos propres désirs sincères se refléter dans l’artwork, nous ne pouvons nous empêcher de nous y identifier à un sure niveau intuitif, même lorsque la sagesse dominante dit le contraire.
On a seulement l’impression qu’il y a une rigidity ici parce que les valeurs sous les pieds ont changé. Il est difficile d’identifier une époque de gloire particulière pour des movies simples et minables comme La Mélodie du bonheur : quand et remark ils sont apparus, et pourquoi ils se sont arrêtés. Ils datent généralement du milieu du siècle, mais ne peuvent pas être entièrement attribués au pur optimisme d’après-guerre ; Frank Capra accumulait les Oscars près d’une décennie avant Pearl Harbor. Et même si leur déclin coïncide avec l’effondrement de cet optimisme au Vietnam, ils n’ont pas complètement disparu. Considérez ET de Spielberg, par exemple, ainsi que les movies Pixar qui ont continué à être diffusés pendant des décennies. Pourtant, il est indéniable que le courant dominant de l’artwork, en particulier à Hollywood, qui définit si fortement notre tradition commune, a tendance au cours des 60 dernières années à une ironie et un cynisme omniprésents.
La Mélodie du bonheur a résisté à l’épreuve du temps, tandis que des movies manipulateurs moins chers de la même veine et de la même époque sont tombés dans l’oubli. Le fait que nous le regardions toujours avec admiration – qu’il existe toujours une demande de fanfare théâtrale 60 ans plus tard – suggère qu’il existe une manière instinctive selon laquelle les humains souhaitent et devraient vivre. Ce n’est pas la manière très moderne du cynisme et de l’ironie.
C’est ce que l’on peut encore retenir du movie, et n’importe quelle œuvre d’artwork – ce qu’elle est effectivement – lui ressemble. Pendant des siècles, l’artwork occidental a existé pour exprimer la vérité telle que perçue par l’artiste, sa réalité profondément ressentie sur la vie, l’émotion ou la situation humaine filtrée à travers une lentille subjective et idéalement superlative. Il filtre cette imaginative and prescient, la façonne avec l’creativeness, la forme et l’émotion, ce qui donne lieu à une œuvre qui communique quelque selected de personnel intérieurement mais qui résonne vers l’extérieur, invitant les autres à voir, ressentir ou comprendre le monde d’une manière qu’ils ne pourraient pas faire par eux-mêmes. La Mélodie du bonheur s’inscrit bien plus dans cette custom que la perversion postmoderniste qui questionne, sape et provoque – au diable la vérité. Son époque et son lieu sont peut-être si difficiles à cerner précisément parce qu’ils s’inscrivent dans cette plus grande custom qui, par pure coïncidence de la modernité, a commencé à décliner au second même où le cinéma lui-même devenait la forme d’artwork dominante.
Ce n’est pas que le message de La Mélodie du bonheur soit si easy qu’il manque de sens, mais qu’il existe une fausse croyance selon laquelle nous sommes trop évolués pour y trouver un sens. La vérité est que la simplicité et l’optimisme sincères peuvent très bien définir la « vraie vie ». Il faut seulement retrouver la volonté de le manifester.
